Por que temos museus

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Os museus fazem parte da história da humanidade há mais de 2.000 anos - mas nem sempre foram como os que visitamos hoje. Maranto revela a evolução dos museus, desde o primeiro museu em 530 aC (com curadoria de uma princesa) aos shows de aberrações do P.T. Barnum (1810-1891 CE) e além.

Lição de J. Maranto. Animação por Saddam Media.

Veja a lição completa: http://ed.ted.com/lessons/why-do-we-have-museums-j-v-maranto


Os objetos históricos pertencem ao seu país de origem?

Quatro historiadores consideram uma das questões mais controversas enfrentadas pelos museus e galerias do Ocidente.

Artefatos não precisam ser "devolvidos"

Tiffany Jenkins, autor de Guardando suas bolas de gude: como os tesouros do passado foram parar nos museus - e por que eles deveriam permanecer lá (Oxford, 2016)

Quando, há 3.000 anos, escultores do Império Assírio transformaram-se em touros alados com cabeça humana para o rei Assurnasirpal II, eles não poderiam ter sonhado que suas criações terminariam séculos depois em museus a milhares de quilômetros de distância. As bestas de alabastro de cinco patas não foram feitas para galerias bem iluminadas. Mesmo que quiséssemos, não seria possível devolvê-los ao seu local de origem.

A antiga Assíria de 883 aC é muito diferente do norte do Iraque moderno no século V aC Atenas, que produziu os muito disputados mármores do Partenon, é irreconhecível em comparação com a Grécia moderna. A corte de Benin, que encomendou os bronzes de Benin, dificilmente se parece com a Nigéria contemporânea.

Todos os artefatos que contemplamos hoje foram feitos para outra pessoa e para algum outro propósito: para celebrar os poderosos para adoração ou para uso doméstico comum. Independentemente da intenção, logo após qualquer objeto ser feito, ele passa das mãos do criador para as de outros - patronos, família, amigos, ladrões - novos proprietários, cruzando continentes e séculos e mudando de uso como o faz.

No entanto, é nas esculturas, tabuletas e entalhes que permanecem que se encontram os resíduos das suas origens. Os artefatos não precisam ser "devolvidos" para que isso aconteça. Como as máquinas do tempo, longe de sua localização original, os artefatos antigos em exibição na Londres do século 21, Tóquio ou Senegal podem transportar o visitante para a antiga Assíria, Atenas ou o palácio real de Benin. A decisão sobre onde colocar artefatos antigos não deve ser reduzida a perseguir uma autenticidade histórica impossível, contrição pelo passado (na moda agora) ou etnia (popular intermitentemente), mas onde é melhor para o objeto.

Uma escultura aterrorizante, antes um objeto de dominação ou devoção, torna-se em uma galeria um objeto de iluminação, beleza ou um texto social a ser lido. Ao lado de outros artefatos de diferentes épocas e lugares, pode provocar questionamentos, ilustrar relações e assumir um significado elevado. Esse é o valor dos museus.

É hora de os museus fazerem seu trabalho

Marie Rodet, conferencista sênior de História da África, SOAS, Universidade de Londres

Artefatos retirados da África, Ásia, Oriente Médio, Oceania e Américas durante o colonialismo pertencem e devem ser devolvidos aos seus países de origem. A maioria dos artefatos globais que agora são mantidos em museus europeus foram saqueados ou comprados por um valor muito abaixo do preço do mercado de arte europeu no momento de sua aquisição.

Um argumento apresentado para manter esses itens é que a localização de sua origem é desconhecida ou ambígua - seria impossível saber para quem e para onde devolvê-los. Este é um argumento falacioso, que confirma que galerias, museus e colecionadores particulares nunca fizeram o esforço de conhecer a história dos artefatos em sua posse ou pior, eles sabem, mas não querem reconhecer, as circunstâncias em que foram adquirido. Essas galerias, museus e colecionadores particulares estavam (e estão) apenas interessados ​​em seu valor estético e "alteridade", com a suposição contínua - especialmente no caso da África - de que o continente tem pouca história "real". Estou espantado com o número de erros que encontro em pequenas e importantes exposições de artefactos africanos em galerias europeias. Uma coleção particular proeminente em Paris confundiu um Dogon com um artefato Bambara, por exemplo, e havia imprecisões na versão da história dos impérios medievais da África Ocidental em uma grande exposição recente em Londres.

A história desses artefatos inclui pilhagem e tráfico. No entanto, reconhecer isso destacaria práticas de aquisição antiéticas. Isso não é específico para artefatos adquiridos durante o colonialismo; é um problema mais geral das relações desiguais entre artistas e colecionadores, trazidas em forte contraste durante a era da pilhagem colonial. É hora de galerias, museus e colecionadores fazerem seu trabalho e refazerem a história exata dos artefatos em sua posse e devolvê-los como parte de um processo de reparação aos países que foram vítimas do colonialismo e imperialismo europeu.

Essas reparações também devem incluir o financiamento de programas de treinamento para preservar objetos em seus países de origem. Se as galerias nacionais da África, Ásia, América do Sul ou mesmo, às vezes, Europa parecem mal preparadas é porque, até agora, não tiveram a chance de enfrentar os desafios da preservação. Devolver os artefatos do mundo é uma boa oportunidade para fortalecer as capacidades patrimoniais dos países saqueados durante a colonização.

A repatriação levanta questões que resistem a respostas abrangentes

Ioannis D. Stefanidis, professor de história diplomática, Aristotle University of Thessaloniki

Poucos artefatos resumem a complexidade desta questão melhor do que os ‘Cavalos de São Marcos’. Com datas variadas da antiguidade clássica grega ou romana, essas estátuas de cobre de quatro cavalos chegaram ao Hipódromo de Constantinopla no século IV dC, foram saqueadas e enviadas para Veneza após o saque da capital bizantina pelos Cruzados em 1204, removidos de A Basílica de São Marcos e colocada no Arco do Triunfo em Paris por Napoleão em 1797 e, após Waterloo, retornou a Veneza, onde permanecem. Mais recentemente, um ou mais deles foram exibidos em várias cidades do exterior e em Milão, antes, em 1982, eles foram realocados dentro de São Marcos, como uma precaução contra maiores danos causados ​​pela poluição do ar.

O destino dos cavalos levanta uma série de questões, comuns a inúmeros casos de propriedade cultural reivindicada em todo o mundo. Primeiro, é preciso estabelecer seu local de origem: pode ser alguma parte da Grécia ou, mais plausivelmente, Itália. Pode-se argumentar que, independentemente de onde sua fundição estivesse, eles deveriam ser exibidos em Constantinopla. Lá, por quase nove séculos, eles simbolizaram as proezas equestres. É verdade que foram transferidos para Veneza como espólios de guerra, mas se tornaram parte integrante da vida religiosa daquela cidade por mais nove séculos. Sua estada forçada em Paris parece enfatizar sua identificação com a cidade da lagoa, cujo ambiente, no entanto, se mostrou corrosivo.

Quem, então, tem o direito de reivindicar "repatriação" perante o Comitê Intergovernamental da UNESCO? Os segundos saqueadores, os franceses, poderiam se qualificar? De acordo com o direito internacional, o saque é ilegal hoje e foi amplamente reprovado em 1797, embora alguém possa se perguntar sobre a diferença entre o furto dos cavalos por Napoleão e a apropriação indébita dos venezianos desde 1204. O tempo oferece uma resposta fácil. Isso sugere que Constantinopla ou sua encarnação moderna, Istambul, deve ser considerada. Os turcos poderiam reivindicar os cavalos "de volta", com base em sua conexão com um monumento existente, o Hipódromo, apesar de sua longa ausência do século nove e do fato de que eles não estão exatamente associados ao patrimônio cultural otomano ou turco? A repatriação de artefatos removidos de seu local de origem antes que tal prática fosse progressivamente proibida durante o século 20 levanta questões que resistem a respostas abrangentes.

Nenhum problema exige uma consideração mais cuidadosa

Nicholas Thomas, Diretor do Museu de Arqueologia e Antropologia, Cambridge

Depende. Na esfera da cultura, nenhuma questão exige uma consideração mais cuidadosa, caso a caso. Muitas vezes se levantou a questão das coleções etnográficas que se tornaram vastas por meio da coleção ambiciosa, na verdade voraz, associada ao comércio colonial europeu e à ciência no final do século XIX. Aqueles que assumem que as coleções são uma espécie de coda para o empreendimento imperial, um foco apropriado para reparação e restituição, podem, no entanto, se surpreender ao saber que os povos indígenas - em partes do Pacífico, por exemplo - são positivos sobre a representação de seus culturas em prestigiosos museus internacionais.

Quando se sabe que obras específicas foram tiradas ilegalmente, é compreensível que a sua devolução possa ser solicitada com grande entusiasmo. Mas essas obras geralmente representam apenas uma minoria, e uma pequena minoria, daquelas realizadas em museus etnográficos. Os artefatos são vistos como embaixadores, como base para colaboração e pesquisa. Alguns ativistas podem presumir que os artefatos históricos estão essencialmente ausentes dos países de origem. Mas, de Fiji a Uganda, existem museus importantes que possuem coleções extensas. Quando não é esse o caso, onde as comunidades não têm acesso ao patrimônio histórico, há uma forte justificativa para a devolução das obras realizadas na Europa.

No entanto, o retorno não pode ser um benefício público na ausência de investimento em museus, não apenas em suas instalações de conservação, mas também em programas de extensão e educacionais sustentáveis.

A questão não está no final de onde os artefatos "pertencem", mas onde eles podem ser cultural e socialmente benéficos. Algumas coleções devem ser devolvidas às suas nações de origem, mas as comunidades na África, Oceania e outros lugares devem ter acesso não apenas ao seu próprio patrimônio, mas também à arte mundial que é tão acessível a públicos multiculturais na Europa. Os artefatos históricos são representativos não apenas das conquistas da humanidade, mas das viagens e do tráfego que formaram a ordem mundial que todos habitamos agora.


Por que nossa história e cultura são tão importantes

Sabyasachi Mukherjee, o diretor geral do Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sanghralaya, o principal museu de Mumbai, disse Rediff.comde Archana Masih por que visitar um museu é melhor do que ir a um shopping.

Nossa identidade é nossa cultura.

Não é infraestrutura ou desenvolvimento. Existem muitos países mais desenvolvidos e menores em tamanho, com boa infraestrutura, mas a Índia é conhecida por sua herança cultural, diversidade e 5.000 anos de história.

A cultura é o nosso patrimônio. A cultura é a nossa identidade.

Onde quer que você vá na Índia, cada milímetro pode ser medido com a cultura.

Há tanto para ver que mesmo uma vida não é suficiente.

Existem monumentos, história, tradições contínuas, cidades e vilas vivas, artesanato, música, comida, linguagem, costumes - o que não?

De Ladakh a Kanyakumari, somos um país enorme, com muita variedade. Há algo esperando em todos os lugares.

Existem 720 idiomas no país. Perdemos 200 idiomas nos últimos 50 anos e existe a ansiedade de que nos próximos 50, perderemos outros 200.

Como salvamos e documentamos idiomas é um grande desafio.

Alguns dizem que por causa da globalização da cultura, as pessoas estão esquecendo sua própria língua. A globalização resultou na perda de muitas línguas.

Por um lado, dizemos que precisamos celebrar a diversidade. Por outro lado, estamos gerando uma única monocultura.

Os americanos falam sobre o conceito de 'caldeirão', mas é preciso ter em mente que alguns metais derretem muito rápido e alguns retêm suas características características.

A globalização não pode ser evitada. Não sou contra a cultura inglesa ou ocidental. Cada cultura é bela, enriquecida, mas não devemos perder a nossa.

Por que visitamos museus? Para entender nosso passado e conhecer o presente. Para buscar nossa identidade na história.

As pessoas estão se esquecendo da comida tradicional. McDonald's e Dominos entraram em nossas cozinhas.

As aldeias estão se tornando vilas, as cidades estão se tornando cidades e as cidades estão se tornando metrópoles.

Os migrantes estão sendo assimilados pela nova cultura e perdendo sua identidade.

A globalização começa com o comércio, a economia e gradualmente entra na cultura.

A cultura viaja com o comércio. Mas como protegemos nossa própria cultura - nossa arquitetura, planejamento urbano, comida, fantasias, design de móveis? Está se tornando um protótipo.

Como os edifícios altos de aço e vidro.

Há também uma discussão sobre os efeitos adversos da globalização e da política de tecnologia e poder. A tecnologia está matando muitas coisas e adicionando muitas coisas.

Não escrevemos mais e não falamos mais sobre a linguagem SMS / WhatsApp!

A tecnologia também está matando a criatividade. Por exemplo, como a criatividade flui quando você toca a caneta no papel.

Preservei as cartas de meu pai e meu avô por causa de seu idioma.

As palavras, emoções e sentimentos expressos por meio de palavras escritas não podem ser expressos por WhatsApp ou e-mail.

Escrever dá a você tempo e espaço para expressar seus sentimentos. Em uma máquina, seu pensamento também se torna mecânico.

A Índia é conhecida por sua tradição viva. Nosso artesanato tem 1.000, 1.500 anos.

Demos continuidade à técnica e tradição da cerâmica desde os tempos do Vale do Indo até hoje.

A indústria artesanal, artesanal e têxtil fornece empregos para muitos, mas em Mumbai, que era a cidade têxtil, perdemos essa herança.

Não temos nem um museu têxtil nesta cidade. Iniciamos uma galeria de tecidos no CSMVS.

As pessoas vêem o lado positivo, mas não o lado negativo da globalização. Estamos perdendo nossa tradição de artesanato.

A sociedade tem que evoluir com o tempo, mas devemos levar todos junto.

Devemos preservar, não perder nossa herança e até mesmo reavivar parte da herança perdida.

Precisamos apoiar artesanato como têxtil e impressão em bloco - com a tecnologia digital você pode produzir em massa, mas os tecelões e artesãos perdem seu sustento.

O valor que gastamos em conservação e preservação é o menor na alocação orçamentária do governo.

Por que não igualamos o setor de cultura a outros setores?

A prioridade é dada à agricultura, infraestrutura, tecnologia, Índia digital - por que não cultura?

O relatório Malcolm e Hargreaves de 1936-1937 foi a primeira e a última pesquisa sobre museus e institutos culturais indianos. Se você ler isso, perceberá que era patético, mesmo durante os tempos britânicos.

Os britânicos não estavam muito interessados ​​na preservação do patrimônio cultural indiano.

Eles começaram escavações, explorações, esclarecimento, estabelecimento de escolas, museus, institutos culturais, mas não muito. Eles declararam que o governo não poderia dar muita atenção aos institutos culturais.

Mesmo depois da Independência, a cultura nunca teve prioridade e continua assim.

Um desenvolvimento da globalização foi que a classe média indiana começou a visitar países estrangeiros. Com o surgimento da Índia como potência econômica, as pessoas começaram a interagir com o mundo.

Agora, quando a classe média, a classe média baixa sai de férias para Cingapura, Tailândia, Hong Kong, a primeira coisa que faz é visitar o museu. Eles voltam e comparam.

Por tantos anos, ninguém questionou, por isso os museus permaneceram estáticos e o governo não prestou atenção.

Quando as críticas começaram, o governo também percebeu que era importante melhorar os institutos culturais.

Os institutos e museus culturais não podem melhorar sem uma equipe treinada e há uma crise de liderança.

A maioria dos museus não tem cabeça, a maioria burocratas dirigem institutos culturais.

Se um país pode criar institutos icônicos como os IITs / IIMs, por que não podemos obter um instituto de nível nacional na linha dos IITs-IIMs para gestão de patrimônio?

Dessa forma, poderíamos produzir 30 gestores culturais por ano e estar em posição de fornecer líderes culturais para outros países.

Existe uma fome cultural. As pessoas querem saber.

Eles têm respeito por sua cultura, tradição, mas devemos estar em posição de alimentá-los.

Infelizmente, em uma cidade como Mumbai, não criamos nenhum novo espaço cultural.

O sul de Mumbai é muito afortunado, mas e os subúrbios.

Não há vida cultural, exceto visitar shoppings. (De acordo com a empresa de serviços imobiliários Cushman and Wakefield, 34 novos shopping centers surgirão em oito cidades indianas até 2020).

Precisamos repensar, até o governo precisa repensar.

A sociedade não pode progredir sem sua formação cultural. Caso contrário, você cria uma sociedade insensível.

Eu estava conversando com o diretor geral da UNESCO em um seminário na universidade de Yale. Ela me disse que perguntou ao primeiro-ministro iraquiano por que jovens instruídos estavam ingressando no ISIS.

Ele disse que algo deu terrivelmente errado com o sistema educacional deles. Por muitos anos, mesmo no pré-Saddam (Hussein) vezes, eles não puderam incorporar a história nas escolas e no ensino superior.

Eles agora entendem a importância e a incorporaram e eu estava pensando no meu país.

Estamos equiparando humanidades e ciências sociais a ciência e tecnologia, gestão, engenharia?

Muitas universidades já fecharam seus departamentos de linguística.

Perdemos scripts como Brahmi. O sânscrito está quase extinto.

Existe algum tipo de mania por ciência, tecnologia e gestão.

O governo não está fazendo justiça às ciências sociais e humanas em comparação com outras disciplinas.

Por que existe tanta tensão na sociedade?

Se você conhece seu passado, reagirá às situações de um ângulo diferente.

Seu passado lhe dá informações sobre como diferentes situações foram enfrentadas e resolvidas com diferentes soluções.

Mas se você não está ciente do seu passado, você comete erros.

É por isso que a história e a cultura são tão importantes.

O Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sanghralaya é o principal museu de Mumbai.
Possui mais de 60.000 artefatos. Mais de um milhão de visitantes visitam o museu a cada ano.
'Índia e o Mundo', uma exposição para comemorar o 70º aniversário da liberdade da Índia, em colaboração com o Museu Britânico, é inaugurada em 11 de novembro.


Por que vamos a museus?

Foto de Gene Pittman

Por que vamos a museus?

Eu faço esta pergunta para mim mesmo e para o público em geral, e para qualquer pessoa que já tenha ido a um museu. Em particular, estou interessado em saber por que as pessoas comparecem arte museus. O que nos obriga? O que esperamos ver? Nosso objetivo é aprender enquanto estamos lá? O que é uma boa experiência de museu?

Eu sou um artista, apoiador ativo da comunidade artística de Twin Cities e parte da equipe educacional do Walker Art Center. Sei por que frequento museus como artista interessada e defensora das artes, mas faço a pergunta novamente como alguém dentro do museu. Por que as pessoas entram por nossas portas? Pela arte? Para os programas? Por que eles voltam?

Entre meus diversos projetos no Walker Art Center, tenho conduzido pesquisas com o objetivo de não apenas promover visitas em grupo, mas também planejar experiências de visitantes orientadas por conteúdo. Em outras palavras, estou interessado em como divulgamos nossas ofertas e como elaboramos essas ofertas para que a experiência do visitante seja bem-sucedida. Acontece que esta é uma área de pesquisa em ascensão, que expande as estratégias tradicionais de marketing e desenvolvimento de público ao incorporar aspectos da psicologia. Por mais selvagem que pareça, parece apropriado mergulhar na cognição que ocorre quando as pessoas tomam decisões, em vez de se esforçar em apelações, persuasões ou coerções. Para fazer as pessoas entrarem, vamos parar de dizer por que devem vir e começar a perguntar porque eles fazem.

Gostaria de compartilhar a posição do Dr. John H. Falk, autor e pesquisador líder em estudos sobre visitantes de museus, que recentemente apareceu como palestrante convidado para o webinar ‘Identidade e a Experiência do Museu’, hospedado por experienceology.com. Falk pesquisa os fatores que obrigam os visitantes a frequentar museus. Ele postula o noção de que ir a museus é uma experiência de lazer é algo que escolhemos fazer fora do trabalho e uma atividade da qual participamos fora de nossas necessidades domésticas. Chamando a ida a museus de atividade de lazer, Falk busca definir o que leva as pessoas aos museus em detrimento de outras atividades de lazer, ou se não mais, a que necessidade a ida a museus atende. Sabendo dessa "necessidade", talvez os profissionais do museu possam adaptar as experiências do museu para criar experiências de visitantes mais bem-sucedidas - guiados por uma compreensão de quais expectativas devemos atender.

Como esse estudo perceptivo ocorreria? Que tipo de dados apoiariam esta pesquisa? Estratégias tradicionais analisam um público existente identificando 'tipos de visitantes' usando atributos como idade, renda, região, família / indivíduo, frequente / infrequente, etc. Este tipo de dados fixos são frequentemente coletados para discriminação de público, avaliando objetivos de diversidade , ou para informar os esforços de marketing. No entanto, não aponta para fatores previsíveis que possam revelar os motivos pelos quais as pessoas os visitam e por que podem voltar. Falk está mais interessado nos dados efêmeros, como em O que motiva as pessoas a virem aos museus? Quais são as relações das pessoas com os museus? “O que o trouxe aqui neste dia, desta vez” ou “por que e como as pessoas gostam de gastar seu tempo de lazer e dinheiro?”

‘Quem você é’ e ‘por que você faz o que faz’, Falk reconhece que são parte de sua identidade e ele os sistematiza em atributos de identidade ‘grandes’ e ‘pequenos’. Traços ‘grandes’ tendem a ser estáveis, como sua etnia e renda, e embora essas informações possam ser úteis, não necessariamente preveem porque você vai a lugares, ou porque você pode ter gostado de sua experiência. Falk chama seus interesses de "pequenos" traços de identidade, ou seja, você gosta de praticar snowboard ou curtir jazz. Essas "pequenas" identidades, acredita Falk, determinam por que as pessoas vão aos museus e, portanto, são essas "identidades motivadoras" que parecem mais pertinentes ao estudo.

Para coletar informações, Falk iniciou pesquisas com visitantes com e sem indicação para coletar dados qualitativos. Abandonando a abordagem tradicional que classifica os visitantes em tipos (idade, renda, região, etc.), Falk examinou os dados em busca de padrões e discerniu cinco novas categorias que correspondem às identidades & # 8217 & # 8216pouco & # 8217 ou & # 8216motivação & # 8217 dos visitantes. Embora as razões dos visitantes não fossem as mesmas sempre, eles tendiam a exibir uma motivação dominante.

O seguinte lista cada identidade motivacional e caracterização como um visitante:

Exploradores -Os exploradores vêm porque frequentar museus os interessa e apela à sua curiosidade. Se você perguntasse se eles gostam de arte, eles diriam 'sim' se você perguntasse se vieram por causa de algo em particular, eles provavelmente diriam 'não', eles 'simplesmente gostam de arte e sabem do que gostam quando a vêem.' Eles não têm metas de aprendizagem concretas, como 'Vou para o MIA para aprender tudo o que puder sobre o expressionismo', mas gostam de saber coisas novas. [Eu imagino que este seja o tipo de leitura didática e rótulos, mas pode não saber nomes e referências contextuais.] Este tipo pode realmente ser qualquer um. O objetivo do Exlporers é satisfazer uma curiosidade. Eles podem ou não saber Como as para usar o espaço.

Facilitador—Os facilitadores vêm por causa de outra pessoa. Talvez estejam trazendo um amigo ou um grupo de pessoas - possivelmente jovens ou estudantes - porque acham que a visita beneficiaria a outra parte ou partes, não por uma necessidade pessoal. Sua necessidade pessoal é fazer uma boa experiência para os outros.

Buscador de experiência—Um buscador de experiência é uma pessoa que está marcando uma lista de atividades pessoais ou turísticas. Eles querem ver o que é icônico naquele lugar, eles querem fazer "o que você deve fazer naquela cidade ou área". Eles podem precisar ver os destaques do museu para se sentirem satisfeitos.

Profissional / Hobbiest -Esta categoria inclui professores, educadores, profissionais de museus, artistas e pessoas em áreas relacionadas. Seus objetivos podem variar de acordo com seu papel específico como profissional ou hobbiest um fotógrafo pode participar com o objetivo em mente de tirar fotos ou aprender sobre fotografia por meio de exposições. Um educador de arte pode estar interessado na arte como em seu campo de interesse, ou pode estar planejando uma aula, etc.

Recarregadores—Os recarregadores encontram no museu um lugar para "ficar longe de tudo", para se descomprimir, e sua visita é quase espiritual. Eles tendem a evitar multidões ou sensações e são bastante autossuficientes. Uma visita bem-sucedida para eles os deixará com a sensação de que eles tenho fugiu.

Falk continua, observando que nossas identidades são expressas e satisfeitas por meio dessas atividades e, portanto, podemos inferir que os visitantes vêm aos museus motivados por motivos para satisfazer esse aspecto de sua identidade. Os estudos que ele compôs não eram SE-ENTÃO (se eu gosto de & # 8216X & # 8217, então vou a museus por esses motivos). Em vez disso, Falk investiga o potencial intrínseco dos interesses de uma pessoa, como eles compelem uma pessoa a gastar tempo de certas maneiras para satisfazer aspectos de sua identidade. Se uma instituição está ciente disso, ela pode desempenhar um papel melhor no apoio a essas necessidades e interesses. Ao inferir por que o visitante está lá, um profissional de museu pode apoiar melhor a experiência do visitante e satisfazer essa pessoa.

Espero que a abertura das instituições para a discussão de & # 8216o que motiva os visitantes & # 8217 possa ajudar a atrair novos públicos, criando experiências que atendam às necessidades dos visitantes e fazendo marketing com essas motivações em mente. Essas práticas encorajariam visitas de retorno e facilitariam um relacionamento mais forte entre os visitantes e o museu. Ao descobrir por que os visitantes estão chegando, podemos prever melhor como eles continuarão a usar as instituições para suas necessidades e como podem ter experiências positivas naquele espaço.

Não estou aceitando as descobertas de Falk como a palavra definitiva para entender por que os visitantes passam seu tempo de lazer em museus, mas sinto que é uma postura nova que inverte práticas mais antigas que supunham 'por que você deveria vir' em oposição a 'por que você venha. ”As categorias motivacionais de Falk parecem muito relevantes e me peguei pensando sobre por que faço o que faço nas minhas horas de lazer. Quando participo de uma inauguração de arte, sou um Profissional / Hobbiest quando procuro em um brechó que é minha hora de recarregar as baterias quando vi o comediante Gallagher tocar com Metallagher no mês passado. Eu era um Caçador de Experiência - precisava ver do que se tratava!

Como essas categorias ressoam em vocês como frequentadores de museus? Eles parecem precisos ou errados? Você se vê enquadrado em uma ou mais categorias quando vai ao museu de arte? E em suas outras atividades?

Eu adoraria ouvir de você - não apenas sua resposta às ideias de Falk sobre motivação de identidade, mas o mais importante: por que você vai ao museu?

Biografia do colaborador:

Jehra Patrick trabalha como assistente de programa para programas de turismo no Walker Art Center, onde desenvolve e implementa estratégias para aumentar as vendas de programas de turismo em grupo e supervisiona o programa voluntário de guia de informações, que aprimora as experiências do visitante por meio da criação de um ambiente personalizado e acolhedor.

Além de seu papel em Programas de Tour, Jehra também trabalha como Assistente de Programa para a McKnight Fellowship for Photographers e é uma artista de estúdio ativa.


Saber o passado abre a porta para o futuro: a importância contínua do mês da história negra

Scurlock Studio Records, ca. 1905-1994, Archives Center, National Museum of American History, Smithsonian Institution.

Ninguém desempenhou um papel maior em ajudar todos os americanos a conhecer o passado negro do que Carter G. Woodson, o indivíduo que criou a Semana da História do Negro em Washington, DC, em fevereiro de 1926. Woodson foi o segundo negro americano a receber um PhD em história da Harvard - seguindo WEB Du Bois por alguns anos. Para Woodson, a experiência negra era muito importante simplesmente para ser deixada para um pequeno grupo de acadêmicos. Woodson acreditava que seu papel era usar a história e a cultura negra como uma arma na luta pela ascensão racial. Em 1916, Woodson mudou-se para DC e estabeleceu a “Associação para o Estudo da Vida e Cultura Negra”, uma organização cujo objetivo era tornar a história negra acessível a um público mais amplo. Woodson era um homem estranho e determinado, cuja única paixão era a história, e ele esperava que todos compartilhassem de sua paixão.

Dr. Carter G. Woodson, final dos anos 1940

Essa impaciência levou Woodson a criar a Semana da História do Negro em 1926, para garantir que as crianças em idade escolar fossem expostas à história dos negros. Woodson escolheu a segunda semana de fevereiro para comemorar o aniversário de Lincoln e Frederick Douglass. É importante perceber que a Semana da História do Negro não nasceu no vácuo. A década de 1920 viu o aumento do interesse pela cultura afro-americana representada pelo Renascimento do Harlem, onde escritores como Langston Hughes, Georgia Douglass Johnson, Claude McKay - escreveram sobre as alegrias e tristezas da escuridão e músicos como Louie Armstrong, Duke Ellington e Jimmy Lunceford capturou os novos ritmos das cidades criadas em parte pelos milhares de negros do sul que migraram para centros urbanos como Chicago. E artistas como Aaron Douglass, Richard Barthe e Lois Jones criaram imagens que celebraram a negritude e forneceram imagens mais positivas da experiência afro-americana.

Woodson esperava desenvolver essa criatividade e estimular ainda mais o interesse por meio da Semana de História do Negro. Woodson fez dois gols. Uma era usar a história para provar à América branca que os negros desempenharam papéis importantes na criação da América e, portanto, merecem ser tratados como cidadãos. Em essência, Woodson - ao celebrar heróicas figuras negras - sejam eles inventores, artistas ou soldados - esperava provar nosso valor, e provando nosso valor - ele acreditava que logo haveria igualdade. Seu outro objetivo era aumentar a visibilidade da vida e da história negra, em uma época em que poucos jornais, livros e universidades tomavam conhecimento da comunidade negra, a não ser para enfatizar o negativo. Em última análise, Woodson acreditava que a Semana da História do Negro - que se tornou o Mês da História do Negro em 1976 - seria um veículo para a transformação racial para sempre.

A questão que enfrentamos hoje é se o Mês da História Negra ainda é relevante ou não. Ainda é um veículo de mudança? Ou simplesmente se tornou mais uma tarefa escolar com significado limitado para as crianças. O Mês da História Negra se tornou uma época em que a televisão e a mídia empilham seu material negro? Ou é um conceito útil cujos objetivos foram alcançados? Afinal, poucos - exceto os caipiras mais ardorosos - poderiam negar a presença e a importância dos afro-americanos para a sociedade americana ou, como minha filha Sarah, então com 14 anos, disse: “Vejo Colin Powell todos os dias na TV, todos meus amigos - negros e brancos - estão imersos na cultura negra por meio da música e da televisão. E os Estados Unidos mudaram drasticamente desde 1926 - não é hora de aposentar o Mês da História Negra, pois eliminamos as placas brancas e coloridas nos bebedouros? ” I will spare you the three hour lesson I gave her.

I would like to suggest that despite the profound change in race relations that has occurred in our lives, Carter G. Woodson’s vision for black history as a means of transformation and change is still quite relevant and quite useful. African American history month, with a bit of tweaking, is still a beacon of change and hope that is still surely needed in this world. The chains of slavery are gone—but we are all not yet free. The great diversity within the black community needs the glue of the African American past to remind us of not just how far we have traveled but lo, how far there is to go.

While there are many reasons and examples that I could point towards, let me raise five concerns or challenges that African Americans — in fact — all Americans — face that black history can help address:

The Challenge of Forgetting

You can tell a great deal about a country and a people by what they deem important enough to remember, to create moments for — what they put in their museum and what they celebrate. In Scandinavia — there are monuments to the Vikings as a symbol of freedom and the spirit of exploration. In Germany during the 1930s and 1940s, the Nazis celebrated their supposed Aryan supremacy through monument and song. While America traditionally revels in either Civil War battles or founding fathers. Yet I would suggest that we learn even more about a country by what it chooses to forget — its mistakes, its disappointments, and its embarrassments. In some ways, African American History month is a clarion call to remember. Yet it is a call that is often unheeded.

Let’s take the example of one of the great unmentionable in American history — slavery. For nearly 250 years slavery not only existed but it was one of the dominant forces in American life. Political clout and economic fortune depended on the labor of slaves. And the presence of this peculiar institution generated an array of books, publications, and stories that demonstrate how deeply it touched America. And while we can discuss basic information such as the fact that in 1860 — 4 million blacks were enslaved, and that a prime field hand cost $1,000, while a female, with her childbearing capability, brought $1,500, we find few moments to discuss the impact, legacy, and contemporary meaning of slavery.

In 1988, the Smithsonian Institution, about to open an exhibition that included slavery, decided to survey 10,000 Americans. The results were fascinating — 92% of white respondents felt slavery had little meaning to them — these respondents often said “my family did not arrive until after the end of slavery.” Even more disturbing was the fact that 79% of African Americans expressed no interest or some embarrassment about slavery. It is my hope that with greater focus and collaboration Black History Month can stimulate discussion about a subject that both divides and embarrasses.

As a historian, I have always felt that slavery is an African American success story because we found ways to survive, to preserve our culture and our families. Slavery is also ripe with heroes, such as slaves who ran away or rebelled, like Harriet Tubman or Denmark Vessey, but equally important are the forgotten slave fathers and mothers who raised families and kept a people alive. I am not embarrassed by my slave ancestors I am in awe of their strength and their humanity. I would love to see the African American community rethink its connection to our slave past. I also think of something told to me by a Mr. Johnson, who was a former sharecropper I interviewed in Georgetown, SC:

The Challenge of Preserving a People’s Culture

While the African American community is no longer invisible, I am unsure that as a community we are taking the appropriate steps to ensure the preservation of African American cultural patrimony in appropriate institutions. Whether we like it or not, museums, archives, and libraries not only preserves culture they legitimize it. Therefore, it is incumbent of African Americans to work with cultural institutions to preserve their family photography, documents, and objects. While African Americans have few traditions of giving material to museums, it is crucial that more of the black past make it into American cultural repositories.

A good example is the Smithsonian, when the National Museum of American History wanted to mount an exhibition on slavery, it found it did not have any objects that described slavery. That is partially a response to a lack of giving by the African American Community. This lack of involvement also affects the preservation of black historic sites. Though there has been more attention paid to these sites, too much of our history has been paved over, gone through urban renewal, gentrified, or unidentified, or un-acknowledged. Hopefully a renewed Black History Month can focus attention on the importance of preserving African American culture.

There is no more powerful force than a people steeped in their history. And there is no higher cause than honoring our struggle and ancestors by remembering.

The Challenge of Maintaining a Community

As the African American Community diversifies and splinters, it is crucial to find mechanisms and opportunities to maintain our sense of community. As some families lose the connection with their southern roots, it is imperative that we understand our common heritage and history. The communal nature of black life has provided substance, guidance, and comfort for generations. And though our communities are quite diverse, it is our common heritage that continues to hold us together.

The Power of Inspiration

One thing has not changed. That is the need to draw inspiration and guidance from the past. And through that inspiration, people will find tools and paths that will help them live their lives. Who could not help but be inspired by Martin Luther King’s oratory, commitment to racial justice, and his ultimate sacrifice. Or by the arguments of William and Ellen Craft or Henry “Box” Brown who used great guile to escape from slavery. Who could not draw substance from the creativity of Madame CJ Walker or the audacity and courage of prize fighter Jack Johnson. Or who could not continue to struggle after listening to the mother of Emmitt Till share her story of sadness and perseverance. I know that when life is tough, I take solace in the poetry of Paul Lawrence Dunbar, Langston Hughes, Nikki Giovanni, or Gwendolyn Brooks. And I find comfort in the rhythms of Louie Armstrong, Sam Cooke or Dinah Washington. And I draw inspiration from the anonymous slave who persevered so that the culture could continue.

Let me conclude by re-emphasizing that Black History Month continues to serve us well. In part because Woodson’s creation is as much about today as it is about the past. Experiencing Black History Month every year reminds us that history is not dead or distant from our lives.

Rather, I see the African American past in the way my daughter’s laugh reminds me of my grandmother. I experience the African American past when I think of my grandfather choosing to leave the South rather than continue to experience share cropping and segregation. Or when I remember sitting in the back yard listening to old men tell stories. Ultimately, African American History — and its celebration throughout February — is just as vibrant today as it was when Woodson created it 85 years ago. Because it helps us to remember there is no more powerful force than a people steeped in their history. And there is no higher cause than honoring our struggle and ancestors by remembering.


Should Museums Return Looted Artifacts to Their Countries of Origin?

Museums around the world contain pieces that were stolen or taken by force during colonial rule. Do you think they have a right to keep and display these objects? Or should they give them back?

Students in U.S. high schools can get free digital access to The New York Times until Sept. 2021.

Think about the last time you went to an art or history museum. Which pieces stood out to you? Did you read the plaques next to them? Did those tell you where the artifacts were from and how they were acquired?

Today, many museums around the world contain art and artifacts that were stolen from their countries of origin during colonial rule or looted during war. Do you think museums have a right to keep and display those objects? Por que ou por que não?

Three recent New York Times articles explain how museums, activists and governments are wrestling with this question:

In the Netherlands, an advisory committee to the Dutch government has recommended that the country give back items taken without consent. In “Return Looted Art to Former Colonies, Dutch Committee Tells Government,” Claire Moses writes:

The Netherlands should return looted art to its former colonies: That’s the official recommendation of an advisory committee to the Dutch government.

After a year of research, including interviews with people in former Dutch colonies such as Indonesia, Suriname and several Caribbean islands, the committee released its report in Amsterdam on Wednesday.

The decision on whether to return an object, however, would ultimately rest with the Dutch government, and after a similar recommendation was made in France in 2018, only a single object has since been given back.

“The principle is fantastic,” said Jos van Beurden, an independent researcher who has specialized in restitution since the 1990s, of the Dutch decision. “But I’m worried about the execution.”

The lawyer and human rights activist Lilian Gonçalves-Ho Kang You, who led the committee in the Netherlands, said in an interview that the government should acknowledge the injustices of colonialism and be willing to return objects without conditions if it can be proved that they were acquired involuntarily, and if their countries of origin ask for them.

The report calls for the creation of a body of experts to investigate objects’ provenance when requests are made, and a publicly accessible national database of all the colonial collections in Dutch museums.

In the United States, Indigenous people have advocated repatriation as a form of restorative justice, using legal routes as well as others to reclaim stolen objects. In a 2019 Op-Ed, “‘As Native Americans, We Are in a Constant State of Mourning,’” Chip Colwell writes:

Some art dealers and curators have recently warned that this rapidly shifting landscape may, as the German broadcaster Deutsche Welle, put it, “eventually empty museums and galleries in Western countries.” But such dire predictions portray repatriation as a zero-sum game. Museums should not see repatriation only for what is lost. They should also see what is gained.

In the wake of European colonial explorations from the 1500s onward, museums were filled with curious, beautiful, mundane and wondrous objects. Many of these things were purchased or traded, obtained with the permission of the individual maker or community. Yet, many were also procured with the threat of violence, without consent and in ways that violated cultural traditions. Many were simply stolen. When archaeological science took off in the late 1800s, unknown thousands of graves were excavated. When the Western art world fell in love with “primitive” art, collectors and dealers often resorted to extremes to obtain ancient treasures.

Indigenous peoples often tried their best to preserve their sacred objects and to protect the graves of their ancestors. But most communities were unable to stop the plunder.

On the heels of the civil rights movement, Native Americans began to more publicly renounce museums for stealing their heritage. As a result, in 1990 Congress passed the Native American Graves Protection and Repatriation Act, which provides a process for lineal descendants and tribes to reclaim ancestral remains and certain kinds of cultural items from American museums and federal agencies. This law, although imperfect, has facilitated the return of some 1.7 million grave goods, 57,000 skeletons and 15,000 sacred and communally owned objects.

And in France, Mwazulu Diyabanza, a Congolese activist, has taken the movement into his own hands. In “To Protest Colonialism, He Takes Artifacts From Museums,” Farah Nayeri writes:

Early one afternoon in June, the Congolese activist Mwazulu Diyabanza walked into the Quai Branly Museum, the riverfront institution that houses treasures from France’s former colonies, and bought a ticket. Together with four associates, he wandered around the Paris museum’s African collections, reading the labels and admiring the treasures on show.

Yet what started as a standard museum outing soon escalated into a raucous demonstration as Mr. Diyabanza began denouncing colonial-era cultural theft while a member of his group filmed the speech and live-streamed it via Facebook. With another group member’s help, he then forcefully removed a slender 19th-century wooden funerary post, from a region that is now in Chad or Sudan, and headed for the exit. Museum guards stopped him before he could leave.

The next month, in the southern French city of Marseille, Mr. Diyabanza seized an artifact from the Museum of African, Oceanic and Native American Arts in another live-streamed protest, before being halted by security. And earlier this month, in a third action that was also broadcast on Facebook, he and other activists took a Congolese funeral statue from the Afrika Museum in Berg en Dal, the Netherlands, before guards stopped him again.

Now, Mr. Diyabanza, the spokesman for a Pan-African movement that seeks reparations for colonialism, slavery and cultural expropriation, is set to stand trial in Paris on Sept. 30. Along with the four associates from the Quai Branly action, he will face a charge of attempted theft, in a case that is also likely to put France on the stand for its colonial track record and for holding so much of sub-Saharan Africa’s cultural heritage — 90,000 or so objects — in its museums.

“The fact that I had to pay my own money to see what had been taken by force, this heritage that belonged back home where I come from — that’s when the decision was made to take action,” said Mr. Diyabanza in an interview in Paris this month.

Describing the Quai Branly as “a museum that contains stolen objects,” he added, “There is no ban on an owner taking back his property the moment he comes across it.”

Students, choose one of the articles to read in its entirety, then tell us:

Do you think museums should return objects that were stolen, looted or taken with the threat of violence to their places of origin? Por que ou por que não?

If you do not think museums should return these objects, which of the approaches outlined in these articles seem most effective and thoughtful to you? Should museums themselves take on the work of identifying and returning stolen pieces? Should reclamation be made law, as it has been in the United States with the Native American Graves Protection and Repatriation Act? Should there be more activists like Mr. Diyabanza who reclaim stolen pieces? What other actions might be appropriate?

What is your reaction to Mr. Diyabanza’s protest? He described the museum he is accused of stealing from as “a museum that contains stolen objects,” and justified his actions by saying, “There is no ban on an owner taking back his property the moment he comes across it.” Do you agree with this statement and his approach? Por que ou por que não?

If museums have looted art and artifacts in their collections, do you think that should be acknowledged? Do museums have an obligation to say where pieces are from and how they were acquired?

Here’s an example: Alice Procter, an art historian and writer, analyzes the label on the sculpture “Tipu’s Tiger,” originally from Mysore, India, now on display in the Victoria & Albert Museum in London, also known as the V&A:

The label for “Tipu’s Tiger” begins with the sentence:

“Tipu Sultan was killed when the East India Company stormed Seringapatam in 1799.”

That’s written in a passive voice. It doesn’t mention the fact that he was killed by the company’s officers, and gives the impression that he just happened to die at the same time.

Later on in the label, it reads, “As was usual, the royal treasury was then divided up between the army.” There’s a whole history of looting and conflict being used as a way of creating museum collections. We know that East India Company officials were in contact with collectors and curators in London. We know that the trustees of institutions such as the British Museum, the V&A and the National Gallery are sending letters to military officials around the world at this time, expressing interest in particular objects and artworks.

What do you think of Ms. Procter’s reframing of the label? How does reading her explanation change your experience of this work of art? Do you think all museums should address their colonial past in this way? And if they do, is that enough to remedy the fact that these pieces were looted or taken by force? Por que ou por que não?

About Student Opinion

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Why Libraries Have a Public Spirit That Most Museums Lack

At a time when museums are being held accountable by a variety of publics for every aspect of their operations — from programming and exhibition-making to financial support and governance structures — perhaps it is useful to look at parallel institutions that are doing similar work for guidance on alternative ways of working.

I have spent a great deal of time thinking about the relationship between museums and public libraries, to understand what makes libraries feel different from museums. Why do they have a public spirit that most museums don’t? Why are there lines around the block at some NYC library branches at 9 am? I’ve been reading about the roots of both institutions in the United States, and they have evolved in similar ways so how do they diverge? And is this divergence relevant to the ways in which a stunningly broad swath of society feels welcome within a public library and not a museum?

The grand lobby of the Brooklyn Public Library (all images courtesy Brooklyn Public Library and all by Gregg Richards unless otherwise noted)

John Cotton Dana, the Progressive Era thinker and radical re-imaginer of public libraries, wrote a particularly important essay in 1917 titled “The Gloom of the Museum.” It includes a section about expertise that is particularly germane today:

They become enamoured of rarity, of history … They become lost in their specialties and forget their museum. They become lost in their idea of a museum and forget its purpose. They become lost in working out their idea of a museum and forget their public. And soon, not being brought constantly in touch with the life of their community … they become entirely separated from it and go on making beautifully complete and very expensive collections but never construct a living, active, and effective institution.

Museums and libraries in the US originated in similar places and via similar patronage models with their foundational collections coming largely from wealthy collectors of books and art objects, sometimes in conjunction with institutions of higher learning. However, the word “public” remains embedded in what we call the library. And while some branches are named for generous funders, these are secondary to the overall system. In fact, the Queens Public Library system, the largest in the nation, boasts of a branch within a mile of every Queens resident.

Kameelah Janan Rasheed: “Scoring the Stacks” (2019)

It is with these thoughts in mind that I spoke with Cora Fisher, Curator of Visual Art Programming, and Jakab Orsos, Vice President of Arts and Culture, at the Brooklyn Public Library (BPL). Orsos and Fisher center accessibility within an intellectual framework, which seems to me a core tenet that makes an indelible imprint on all their work. This focus is also related, perhaps, to the ways in which the BPL audiences see the library as a repository of ideas, and of public information, rather than one of expertise. In this way, when BPL explicitly presents issue-driven programs, audiences might encounter these as participants rather than as recipients of knowledge. In Fisher’s words, when she and Orsos imagine programs for the library, they are “visioning an active civic body,” that not only desires engagement with the subjects explored, but also expects the library to engage particular issues with intent and via a specific perspective.

Kameelah Janan Rasheed: “Scoring the Stacks” (2019)

This clarity around intention and transparency of outlook is an essential aspect of the distinction between museums and libraries, and is based in a particular poetics of engagement. Take for example Kameelah Janan Rasheed’s project, Scoring the Stacks, which was displayed at BPL’s Central Library from January through April 2019. Rasheed is an artist, a poet, and a pedagogue, and therefore among the most ideal artists to be embedded within the library. Her project knit together the infinite possible paths of knowledge that can be charted with the resources of a library. By creating a repository of colored index cards with some simple instructions, she invited library patrons to create their own skein of knowledge, partially by chance, as they followed the instructions interspersed throughout the library’s collections and stacks. They noted their paths on the note cards, carbon copies of which preserved their paths for others to peruse. Each became a “score” of a particular experience informed by artistic suggestion, chance encounters, personal interests of the participant, and myriad other vagaries that shaped each strand of the work. She also conducted numerous workshops that brought people together in co-authoring pop songs and poetry, as well as choreographing movement, all by using texts found in the stacks.

Kameelah Janan Rasheed: “Scoring the Stacks” (2019)

To my mind, this kind of effort is about more than participation and co-creation. Orsos says,

As a public space our job is about enhancing people’s willingness to raise questions and feel uncomfortable. A true public space is constantly negotiating knowledge or the lack of it, rather than presenting a position of expertise. And we in turn have to be open to pushback.

In this context, intentionally conceived programming draws a person into the library as a space of collective public knowledge — not only as a reader but as an author as well. In this sense, the library is a space of collective knowledge creation as well as a site of exchange and storage. One example of how this works is a forthcoming initiative taking place throughout 2020. Envisioned as a civic exercise in advance of the US presidential election, the 28th Amendment Project will invite the people of Brooklyn to imagine what should be added to or omitted from the US Constitution. Comprising negotiations and workshops that take advantage of the dispersed conditions of the library branches, participants will think together about the role of the US Constitution historically and in the present day. They can collectively critique and augment existing documents, while forging a possible alternative, which would not only be compiled but then ratified by the participants. This new 28th Amendment will then be released to the public a few weeks before the elections on behalf of the people of Brooklyn alongside a participatory art project by Sheryl Oring titled, “I wish to say,” a performance which invites people to dictate postcards to the president.

From Score to Speculative Lit. Participants collectively author a text.

I imagine these 28th Amendment Project workshops, among other projects constructed by the Brooklyn Public Library, as spaces of mutual learning and engagement, around the civic, the personal, and the poetic. I am increasingly convinced that cultural spaces can, should, and must host these kinds of gatherings, acknowledging not only how institutions choose to relate to the issues at hand but also intentionally engaging with these issues so that they can be hashed out in public. Rather than spaces of abstracted expertise, the cultural sphere should perhaps be perceived by the public as a zone in which to negotiate what we may not agree on. Fisher aptly summed up this perspective when she said the BPL’s “goal and the ethos [in art and public programming] is about being subversive, cultivating curiosity, engaging in democracy.” How better to achieve this goal than to sit in the midst of millions of stories and histories, trying to collectively make some sense of the world in which we live? And with 59 branches throughout Brooklyn, the BPL seems an excellent place to start.


  1. How deep is the ocean?
  2. Why is the sea salty?
  3. What is a coral reef?
  4. Why are coral reefs important?
  5. How do oysters make pearls?
  6. What do killer whales eat?
  7. What do blue whales eat?
  8. How much plastic is in the ocean?
  9. What causes ocean acidification?
  10. How long can whales hold their breath?
  11. How can whales hold their breath for so long?
  12. How deep can a whale dive?
  13. How does ocean acidification affect marine life?

How deep is the ocean?

Why is the sea salty?

What is a coral reef?

Why are coral reefs important?

How do oysters make pearls?

What do killer whales eat?

What do blue whales eat?

How much plastic is in the ocean?

What causes ocean acidification?

How long can whales hold their breath?

How can whales hold their breath for so long?

How deep can a whale dive?

How does ocean acidification affect marine life?

The ocean has an average depth of approximately 3.7 kilometres (or 2.3 miles). A calculation from satellite measurements in 2010 put the average depth at 3,682 metres (12,080 feet). However, only about 10% of Earth's seafloor has been mapped to high resolution, so this figure is only an estimate.

Ocean depth is divided into zones: littoral, bathyal, abyssal and hadal. The deepest part of the ocean, the hadal zone, is anywhere deeper than six kilometres.

Challenger Deep, in the Mariana Trench, is the deepest point in the ocean known so far, at approximately 11 kilometres - deeper than Mount Everest is tall. The trench is located in the western Pacific Ocean.

The extreme depth of the Mariana Trench and other oceanic trenches is caused by subduction - where on the boundary of two converging tectonic plates, one descends down into Earth's mantle, creating a deep trough.

Salt in the sea, or ocean salinity, is mainly caused by rain washing mineral ions from the land into water.

Carbon dioxide in the air dissolves into rainwater, making it slightly acidic. When rain falls, it weathers rocks, releasing mineral salts that separate into ions. These ions are carried with runoff water and ultimately reach the ocean.

Sodium and chloride, the main constituents of the type of salt used in cooking, make up over 90% of all the ions found in seawater. Around 3.5% of the weight of seawater comes from dissolved salts.

Some mineral ions are used by marine animals and plants, removing them from the water. The leftover minerals have built up in concentration over millions of years. Underwater volcanoes and hydrothermal vents on the seabed can also release salts into the ocean.

Isolated bodies of water can become extra salty, or hypersaline, through evaporation. The Dead Sea is an example of this. Its high salt content increases the water's density, which is why people float in the Dead Sea more easily than in the ocean.

Coral reefs are made up of colonies of hundreds to thousands of tiny individual corals, called polyps. These marine invertebrate animals have hard exoskeletons made of calcium carbonate, and are sessile, meaning permanently fixed in one place. Polyps grow slowly, forming different shapes and sizes depending on their species.

Assisted by other animals with calcium carbonate skeletons and also coralline algae, corals form complex, three-dimensional reefs.

Coral reefs provide an important ecosystem for marine life, offering food and shelter among their crevices and branches for animals including fishes, molluscs, sea urchins and sponges.

Corals are found in all of Earth's oceans, from tropical to freezing temperatures, however they only build coral reefs in warm, shallow seas in the tropics. Among the biggest and best-known are the reef systems of the Great Barrier Reef of Australia, which is around 2,300 kilometres long. The most biologically diverse reefs in the world can be found in a region known as the Coral Triangle in Southeast Asia.

Coral reefs provide an important ecosystem for life underwater, protect coastal areas by reducing the power of waves hitting the coast, and provide a crucial source of income for millions of people.

Coral reefs teem with diverse life. Thousands of species can be found living on one reef. The Great Barrier Reef contains over 400 coral species, 1,500 fish species, 4,000 mollusc species and six of the world's seven sea turtle species. The Coral Triangle - a coral-rich marine region in Southeast Asia that encompasses the waters between Indonesia, Malaysia, the Philippines and Papua New Guinea - is the most biologically diverse marine ecosystem on Earth.

Coral reefs have an estimated global value of £6 trillion each year, due in part to their contribution to fishing and tourism industries and the coastal protection they provide.

More than 500 million people worldwide depend on reefs for food, jobs and coastal defence. The ridges in coral reefs act as barriers and can reduce wave energy by up to 97%, providing crucial protection from threats such as tsunamis. They help protect areas such as mangrove forests and seagrass beds that act as nurseries for marine animals, as well as human coastal populations.

Extracts from animals and plants living on reefs have been used to develop treatments for asthma, arthritis, cancer and heart disease.

Pearls are made by marine oysters and freshwater mussels as a natural defence against an irritant such as a parasite entering their shell or damage to their fragile body.

The oyster or mussel slowly secretes layers of aragonite and conchiolin, materials that also make up its shell. This creates a material called nacre, also known as mother-of-pearl, which encases the irritant and protects the mollusc from it.

When pearls are cultured commercially an irritant is manually inserted into a mollusc to promote the production of mother-of-pearl.

Nacre can form naturally around almost any irritant that gets inside the shell, creating some very unique and precious pearls.

Other bivalve molluscs and gastropods can produce pearls, but these aren't made of nacre.

Killer whales (also called orcas) are apex predators, meaning they are at the top of their food chain. They feed on fish and squid like other odontocetes (toothed whales) do, but will also target seals, sea birds and even whale species far bigger than themselves. Killer whales are also the only known predators of great white sharks.

Killer whales are the largest dolphin species. They are highly social and spend most of their lives swimming in large pods of family members. Hunting techniques are passed down through generations, so their diets depend on the region they inhabit and the pod's approach to hunting.

These highly intelligent cetaceans have been documented creating large waves to wash seals off ice floes, and even intentionally beaching themselves to catch prey on the shore.

Blue whales eat krill - tiny, shrimp-like crustaceans that live throughout Earth's oceans. The huge whales can eat up to four tonnes of krill every day.

Blue whales lunge through large swarms of krill with their mouths open, taking in more food in one mouthful than any other animal on Earth. Krill make up the vast majority of a blue whale's diet.

The blue whale is a filter-feeder. Its throat has an expandable, pleated structure to engulf a volume of water and prey that is greater than the animal's own body weight. The water it takes in at the same time as its food is pushed out of the mouth by its enormous tongue, through strainer-like baleen plates which hang down from the upper jaw.

Much of the plastic that does not end up in landfill or go through other waste management pathways (such as recycling or incineration) is thought to end up in the ocean.

Between 4.8 and 12.7 million tonnes of plastic enter the ocean each year, according to figures published in the journal Science in 2015.

Plastic can enter the ocean as large, identifiable items or as microplastics - pieces under five millimetres in length. Both pose a threat to marine life. Large pieces degrade over time to become microplastics, but never fully disappear.

Plastic has accumulated in huge quantities throughout the ocean - even in deep-sea areas previously thought to be untouched by humans.

A 2014 study involving Museum researcher Dr Lucy Woodall found high levels of contamination in deep-sea sediments. It revealed that around four billion microscopic plastic fibres could be littering each square kilometre of deep-sea sediment around the world.

Ocean acidification is mainly caused by carbon dioxide gas in the atmosphere dissolving into the ocean. This leads to a lowering of the water's pH, making the ocean more acidic.

Many factors contribute to rising carbon dioxide levels. Currently, the burning of fossil fuels such as coal, oil and gas for human industry is one of the major causes.

Deforestation results in fewer trees to absorb the gas. Also, when plants are cut down and burnt or left to rot, the carbon that makes up their organic tissue is released as carbon dioxide.

Some parts of the ocean are naturally acidic, such as at hydrothermal vent sites - underwater 'hot springs'.

In the past, ocean acidification occurred naturally but over much longer periods of time. It is occurring faster now than in the last 20 million years.

The longest ever recorded dive by a whale was made by a Cuvier's beaked whale. It lasted 137 minutes and broke the record for diving mammals. Other whales can also hold their breath for a very long time. A sperm whale can spend around 90 minutes hunting underwater before it has to come back to the surface to breathe. In 1969, a male sperm whale was killed off the coast of South Africa after surfacing from a dive lasting 117 minutes.

Whales' lungs are particularly efficient at taking up oxygen when they breathe air in and out through their blowholes at the water's surface. Special adaptations help them hold their breath for a long time.

Rather than keeping oxygen in their lungs like humans do, whales' bodies are specially adapted to store oxygen in their blood and muscles. They have extraordinarily high levels of the oxygen-storing proteins haemoglobin and myoglobin.

Whales also reduce their heart rate and stop the blood flow to certain parts of the body, temporarily shutting down organs such as their kidneys and liver while they hunt. This helps them use the oxygen they have in their bodies more slowly.

Furthermore, beaked whales (which can dive for a particularly long time) have a streamlined body shape. Their flippers fit in indentations in the body, enabling them to take on a torpedo-like shape. This helps them to swim, and often to glide, with minimal effort and extend their oxygen stores for as long as possible.

Whales are accomplished divers. The deepest whale dive recorded so far was made by a Cuvier's beaked whale. A 2014 study used satellite-linked tags to follow the dives of eight beaked whales off the southern California coast. The deepest recorded dive was 2,992 metres, breaking the record for diving mammals.

Experts have suggested that this dive was unusually deep for this species. A more normal depth would be 2,000 metres.

Sperm whales also regularly dive 1,000 to 2,000 metres deep.

Ocean acidification can negatively affect marine life, causing organisms' shells and skeletons made from calcium carbonate to dissolve. The more acidic the ocean, the faster the shells dissolve.

Animals that produce calcium carbonate structures have to spend extra energy either repairing their damaged shells or thickening them to survive. Using energy for this could impact the animals' abilities to grow and reproduce.

Animals able to survive and reproduce in more acidic waters are likely to become smaller, potentially affecting the food chain that relies on them.


The museum recently updated a controversial diorama.

The exhibit, located in the museum's Theodore Roosevelt Memorial Hall, showed a meeting between members of the Lenape tribe and Peter Stuyvesant, the leader of the Dutch colony of New Netherland. De acordo com O jornal New York Times, critics of the diorama—which was created in 1939—said that it showed "cultural hierarchy, not a cultural exchange," and that it only mentioned Stuyvesant by name, without mentioning any of the Native leaders. On the exhibit's page, the museum notes that "the depiction of the Lenape reflects common clichés and a fictional view of the past that ignores how complex and violent colonization was for Native people." Rather than tweak the diorama itself, or dismantle it, the museum added labels in October 2018 acknowledging its issues—a solution that artist Amin Husain, member of Decolonize This Place, told the Vezes works "because it honors the fact that that was there to begin with, so it references the harm that has been perpetuated over the years. And then it says, ‘We’re going to tell you how that was wrong.’”


Visiting the Smithsonian National Museum of African American History and Culture in Washington, DC

The National Museum of African American History and Culture has reopened. For more information regarding hours, timed entry and safety protocols, visit the museum's website.

Where and what is the Smithsonian National Museum of African American History?


The Smithsonian National Museum of African American History and Culture (NMAAHC) is located at 14th Street and Constitution Avenue NW on the National Mall. The four-level museum opened on Sept. 24, 2016, becoming the only national museum solely dedicated to the documentation of African American life, history and culture. This Smithsonian Institution museum is an architectural marvel that features numerous interactive exhibits.

The museum is currently open Wednesday through Sunday from 11 a.m. – 4 p.m. The easiest way to get there is via Metrorail or the DC Circulator. The closest Metro stop is Federal Triangle on the Blue, Orange and Silver lines. The DC Circulator’s National Mall route is your best bus option, and it will be easy to continue your exploration of the National Mall afterwards. The facility is handicap-accessible.

What’s inside the museum?


The Smithsonian National Museum of African American History and Culture is a state-of-the-art building that addresses nearly every aspect of the African American experience, covering the arts, slavery, the Civil Rights Movement, athletics and much more. The building’s exterior, conceived by Ghanaian-born architect David Adjaye, is artfully made up of a three-tiered, bronze-colored screen. This lattice pays tribute to the intricate ironwork forged by enslaved African Americans in the southern United States.

The museum’s collection of artifacts is astounding: 3,500 are on view, with another 35,000 or so in the collection. Standout items include a shawl given to Harriet Tubman by Queen Victoria, training aircraft used by the Tuskegee Institute, an invitation to President Obama’s 2009 inauguration and a boombox owned by Chuck D of Public Enemy.

Navigating the entirety of the NMAAHC would be very difficult to accomplish in one visit, and the breadth of its exhibits is astonishing. However, there are several displays that you should be aware of before you go.

o Musical Crossroads exhibit details the history African American music, from the arrival of the first Africans to today. From jazz to hip-hop, African American musicians brought forth new forms of expression that lit a candle for liberty, justice and change. You will be able to experience the emergence of some of America’s finest art forms and the amazing creative expressions that came from them.

Slavery and Freedom uses first-person accounts and striking historical artifacts to tell an incredibly complicated tale. The exhibit traces slavery from 15th century Africa and Europe to the Civil War and Reconstruction in the United States. This vital history emphasizes that American slavery and freedom are deeply intertwined, and that the story of slavery is in fact a shared one that resides at the core of American politics, economics and daily life to this very day.

Continue your dive into history with Defending Freedom, Defining Freedom e A Changing America. The former covers the era of segregation and the onset of the Civil Rights Movement, highlighting the struggle that African Americans faced and conquered in establishing a cultural identity and their own communities, changing the nation along the way. The latter goes from 1968 until today, covering the assassination of Martin Luther King, Jr. to Barack Obama’s two terms as president, journeying from the Black Panthers to #BlackLivesMatter.


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